Dieser professionelle Ratschlag zur Geschwindigkeitsmalerei wird Ihnen helfen, schnell Konzepte zu erstellen und die Kunst der Geschwindigkeitsmalerei und des Geschwindigkeitszeichnens zu beherrschen.
Speed Painting und Speed Drawing sind genau das, was ihre Namen vermuten lassen – Kunst gegen die Uhr zu schaffen. Künstler geben sich eine begrenzte Zeit, um ein Werk zu vollenden, das von einigen Minuten bis zu ein paar Stunden reichen kann. Speed Painting ist eine großartige Möglichkeit, Maltechniken zu erlernen, und Speed Drawing ist eine ausgezeichnete Möglichkeit für Anfänger, das Zeichnen zu erlernen. Beide sind auch eine Menge Spaß.
Im Gegensatz zum Skizzieren gelten Speedpaintings oder Zeichnungen jedoch erst nach Ablauf der Zeit als vollständig – wenn Sie Ihre Arbeit danach ändern, ist es kein Speedpainting mehr. Obwohl wir der Meinung sind, dass das nicht unbedingt wichtig ist, ist die Geschwindigkeitsmalerei oder das Zeichnen nur eine gute Möglichkeit, sich darauf vorzubereiten, Kunst in Grenzen zu schaffen. Wenn Sie also später zurückkehren und weitere Details hinzufügen wollen, werden wir es niemandem sagen.
Um dir zu helfen, ein Meister der schnellen Kunst zu werden, gibt es hier 10 Tipps zum Malen mit Höchstgeschwindigkeit, von denen viele auch für das Schnellzeichnen gelten. Auf die Plätze, fertig, los!
01. Benutzerdefinierte Formen verwenden
“Individuelle Formen sind für Künstler sehr nützliche Werkzeuge und werden oft vergessen. Sie sind einfach, schnell und unterhaltsam in der Herstellung und sparen viel Zeit beim Entwerfen und Malen”, sagt der Konzeptkünstler und Illustrator Alex Olmedo. An den Tagen, an denen man sich nicht inspiriert fühlt, Kunst zu machen, kann man diese stattdessen machen.
“Schreiben Sie einfach abstrakte Formen mit einem harten Pinsel, dann spielen Sie mit ihnen; versuchen Sie, die Formen zu kopieren, zu wiederholen, zu überlappen und zu transformieren und sie in Ihrer Kunst zu verwenden.”
Dies kann auch für das Geschwindigkeitszeichnen nützlich sein. Das Kennenlernen einiger Grundformen kann Ihnen helfen, diese Formen später schneller und genauer zu zeichnen.
02. Füllen Sie eine leere Leinwand aus
Leinwand mit bunten abstrakten Pinselstrichen bedeckt
Denk nicht nach, nimm einfach ein paar Pinselstriche runter.
Die Illustratorin und Konzeptkünstlerin Katy Grierson sagt: “Verwenden Sie ein großes Pinselwerkzeug, um einige Striche mit unterschiedlichen Farben, Tönen, Texturen und Opazitäten zu erstellen. Versuchen Sie, nichts Bestimmtes zu malen, füllen Sie die Leinwand einfach mit Farbe und Textur. Sie können die Pinsel wechseln, aber versuchen, die Größe ziemlich groß zu halten – das ist gut für die Geschwindigkeit und verhindert den Drang, etwas Bestimmtes zu malen.
“Dieses anfängliche Loslassen kann das Schwierigste sein, aber die Effekte lohnen sich am Ende. Auf diese Weise entsteht weniger Druck, eine leere weiße Leinwand zu füllen, was ein Hindernis für die Kreativität sein kann.”
Wenn Sie zeichnen, können Sie mit Schattierungen in Teilen Ihrer Leinwand experimentieren oder mit Farbstiften (siehe die besten Stifte hier), um einen Hintergrund zu erzeugen.
03. Grenzen Sie Ihre Bürsten ein
Versuchen Sie, nur mit einer begrenzten Anzahl von Bürsten zu arbeiten, um Zeit zu sparen und sich nicht durch verschiedene Bürstentypen ablenken zu lassen.
Der Ubisoft-Konzeptkünstler Donglu Yu sagt: “Bevor ich anfange, an einer Speedpainting-Session zu arbeiten, möchte ich mich mit einigen benutzerdefinierten Pinseln aufwärmen. Versuchen Sie je nach Thema, die Auswahl der Pinsel für den Speedpainting-Prozess einzuschränken. Die Arbeit mit einer begrenzten Auswahl an Bürsten kann Sie zwingen, effizienter zu arbeiten, indem Sie über Formen und Design nachdenken und nicht über Pinselstriche. Es kann eine Weile dauern, bis Sie sich daran gewöhnt haben, aber es wird Ihren gesamten Prozess beschleunigen.”
04. Verwenden Sie das Gradientenwerkzeug
Die Industrieumgebungsmalerei nimmt mit einer gelben ockerfarbenen Grundfarbe Gestalt an. Verwenden Sie das Werkzeug Farbverlauf, um eine Basisfarbe hinzuzufügen.
“Sobald Sie die Tonwerte Ihres Bildes eingestellt haben, müssen Sie eine Grundfarbe hinzufügen”, sagt der Konzeptkünstler Massimo Porcella. Das Farbverlaufswerkzeug ist hier perfekt, da Sie die Farbe für jeden Teil der Skizze wählen können, angefangen vom Boden, über die Basis der Gebäude, den Übergang zum Skyline-Farbton bis hin zur Aufnahme einer Farbe, um den Farbton zwischen Land und Himmel zu definieren. Für eine gleichmäßige Farbpalette verwenden Sie das Radiergummi-Werkzeug, um alle Farben miteinander zu verbinden.”
05. Erstellen Sie Ihre eigene Fotobibliothek
James Paick schuf in einer Stunde monumentale Fantasy-Ruinen mit Fototexturen, die er in seiner persönlichen Fotobibliothek gefunden hat.
Welche Art von Kunst man auch immer macht, es ist wichtig, die richtige Referenz zu haben. “Ich kann nicht genug betonen, wie wichtig eine gute Foto-Referenzbibliothek ist”, sagt Kreativdirektor James Paick. “Du kannst viel im Internet finden, aber nichts ist besser, als da rauszugehen und deine eigenen zu nehmen. Sie können die richtige Belichtung, Landschaft und den richtigen Kontrast erhalten, um mit Ihrem aktuellen Stück zu arbeiten, oder einfach nur interessante Sehenswürdigkeiten oder Wolkenformationen, die eine neue Idee wecken und die Phantasie anregen könnten.
“Beschränke dich nicht auf die natürliche Welt; es gibt so viele faszinierende und aufwändige architektonische Elemente an Gebäuden und anderen von Menschen geschaffenen Dingen.”
06. Lassen Sie die Langeweile die Kreativität wecken
Die Collage zeigt ein Foto, das mit dem Foto der Farbe auf einem Scanner zusammenkommt, die Schwarz-Weiß-Scans und die endgültige digitale Malerei einer strukturierten Umgebung. Jesper Friis fügte die Acrylfarbe auf seinem alten Scanner hinzu und mischte sie zusammen; das Speed Painting selbst dauerte zwei Stunden.
Langeweile kann zu spannenden Kunstwerken inspirieren, wie der Bildhauer Jesper Friis bestätigt. “In einem Anfall von Langeweile entschied ich mich eines Tages, meinen alten Scanner, den ich herumgesessen hatte, herauszuziehen und begann, mit etwas Aquarell auf das Glas zu malen. Ich schloss den Deckel, um zu sehen, was herauskommen würde. Seitdem habe ich von Zeit zu Zeit seltsame Texturen auf diese Weise erstellt.
“Es mag anfangs ein wenig albern erscheinen, aber selbst ein Tag, an dem du mit einigen dieser Methoden experimentiert hast, um Texturen zu erstellen, kann dir etwas in deiner Bibliothek geben, auf das du immer wieder zurückkommen wirst, etwas, das einzigartig ist und das wirklich nicht wiederhergestellt werden kann.”
07. Mehr Komplexität
Das Kunstwerk zeigt Rauchfahnen in verschiedenen Farben und Texturen, verdeckende Strukturen.
Erkunden Sie mit Texturen und benutzerdefinierten Pinseln.
Illustratorin Stephanie Cost sagt: “Um Ihrem Gemälde Komplexität zu verleihen, sollten Sie Texturen und benutzerdefinierte Pinsel voll nutzen – es gibt Hunderte von kostenlosen im Internet.” Unsere Liste der kostenlosen Texturen findest du hier.
“Finden Sie eine schöne Sorte wie eine runde Eidechse, die hautähnlich ist, eine glatte, kreideartige oder vielleicht eine grobe, raue Kiesbürste. Sie sind großartig, um die inneren Formen deiner Komposition aufzubrechen. Du kannst versuchen, einen weichen Flachpinsel mit Hue Jitter bei jedem Strich zu verwenden; dies ist gut für härtere Kanten und unerwartete Farben.”
08. Wählen Sie die richtigen Fotos aus
Die Auswahl von Fotos, die sich gut vermischen, ist entscheidend.
“Bei der Herstellung von Fotobuchbildern ist es sehr wichtig, die richtigen Fotos auszuwählen”, sagt Olmedo. “Wenn Sie versuchen, ein Foto mit einer völlig anderen Lichtquelle als andere am Bild beteiligte zu verwenden, werden Sie am Ende zu viel Zeit damit verbringen, das Problem zu beheben und das Foto sogar zu verwerfen.”
09. Experiment
Erstellen Sie Ihr Bild durch Hinzufügen eines Hintergrundgradienten, Duplizieren und Transformieren Ihrer Formobjekte.
“Die Werkzeuge Transform, Clipping und Smudge sind für meinen Workflow unerlässlich, da ich es vorziehe, eine Collage zu erstellen und Formen zu finden, anstatt von Anfang an zu malen”, sagt der Konzeptkünstler Ian Jun Wei Chiew. Ich finde diese Methode lustiger und experimenteller, was zu Ideen und Kompositionen führen kann, an die man nie denken würde.
“Es gibt unendlich viele Möglichkeiten mit Photoshop; Sie können eine neue Verwendung für jedes bestehende Werkzeug finden. Am Ende des Tages ist es Ihr persönliches Wissen über die Grundlagen wie Komposition, Werte, Farbe und Licht, das ein gutes Bild ausmacht.”
Weitere Informationen zu Photoshop finden Sie in unseren bevorzugten Photoshop-Pinseln und Photoshop-Tutorials.
10. Übertreiben Sie nicht
Dramatische Landschaftsmalerei zeigt bröckelnde antike Ruinen. Bleiben Sie bei den wichtigsten Elementen des Geschichtenerzählens, damit Sie eine ikonische und beeindruckende Komposition erhalten – dieses Gemälde hat zwei Stunden gedauert Donglu Yu.
“Meine Schüler erzählen oft gerne eine sehr komplexe Geschichte mit einem Bild”, sagt Yu. “Mein Feedback ist immer, dass du die ersten zwei oder drei Dinge, die du durch das Bild erzählen möchtest, auswählen und sie wirklich gut erzählen solltest.
“Wenn eine Geschichte zu komplex ist, müssen Sie Ihren Leinwandraum in kleinere Abschnitte unterteilen, um ihn auf die verschiedenen Elemente des Geschichtenerzählens zu verteilen, was es schwierig macht, eine ikonische Komposition zu finden.”
